Richard Strauss. Leben und Metamorphose eines Sonic Hero
Am 11. Juni feiert die Welt den 150. Geburtstag von Richard Strauss. Und heute, wenn wir seine Werke hören, fragen wir uns, was das Drama des Schicksals und der Kreativität des großen Meisters war. Was war der große Strauss und was erlaubte ihm, so viele Meisterwerke der Weltmusikkunst zu schaffen? Lassen Sie uns in diesem Artikel sprechen.
Richard Strauss (deutscher Richard Strauss, 11. Juni 1864, München, 8. September 1949, Garmisch-Partenkirchen, Deutschland) ist uns nicht nur als herausragender deutscher Komponist und symphonischer Dirigent bekannt - zahlreiche Experten und Bewunderer seines Werkes erkennen an er als Genie, Innovator, Schöpfer neuer musikalischer und dramatischer Formen und einzigartiger musikalischer Bilder. Richard Strauss widmete sein ganzes Leben der Entwicklung der deutschen Musikkultur.
Die meisten seiner Zeitgenossen liebten Strauss 'Musik, vergötterten sein Talent, und Opernhäuser kämpften um Leben und Tod um das Recht, seine Opern zum ersten Mal zu inszenieren. Es gab auch diejenigen, die es nicht akzeptierten, verurteilten, kritisierten, verspotteten und sogar dämonisierten und verboten.
Am 11. Juni feiert die Welt den 150. Geburtstag von Richard Strauss. Und heute, wenn wir seine Werke hören, fragen wir uns: Was war das Drama des Schicksals und der Arbeit des großen Meisters? Wie war es für ihn, die glücklichen Jahre des Aufblühens des friedlichen Deutschlands inmitten seines schöpferischen Lebens erlebt zu haben, um unfreiwillig an der militärischen Aggression des Zweiten und dann des Dritten Reiches teilzunehmen und sich in einem Land zu befinden? Atmosphäre der moralischen Erniedrigung und des geistigen Sturzes seines Volkes? Was war der große Strauss und was erlaubte ihm, so viele Meisterwerke der Weltmusikkunst zu schaffen? Lassen Sie uns in diesem Artikel sprechen.
WAS IST ÜBER DAS FORMULAR HINAUS
Jedes Musikstück hat eine Form, und die Form muss dem Inhalt entsprechen. Im Wesentlichen ist es in der harmonischen, gesunden Kunst der Inhalt, der die Form für ihren vollständigen angemessenen Ausdruck auswählt. Nicht umgekehrt. Was ist das für ein Inhalt? Das ist eine wirklich interessante Frage …
Die Antwort ist einfach. Der Inhalt eines Musikstücks ist eine interne Suche, ein Verlangen, ein Mangel an seinem Autor. Dies ist nicht das Verlangen unseres Körpers, sondern etwas mehr, das über das grundlegende "Essen - Trinken - Atmen - Schlafen" in verschiedenen Variationen hinausgeht, ein zusätzliches Verlangen über die tierische Natur hinaus. Dieser Wunsch ist nicht materiell, aber daraus wird er nicht zweitrangig. Im Gegenteil, der Künstler kann, wie man so sagt, weder essen noch schlafen, bis er sein Werk geschaffen hat.
Die innere Suche nach etwas jenseits der physischen Welt, die Suche nach der Grundursache für die Existenz meines "Ich" - dies ist ein gemeinsames Streben nach einer bestimmten Art von Menschen, die in der Systemvektorpsychologie die Eigentümer des Klangs genannt werden Vektor. Ein besonderes Geschenk von Klangkomponisten ist die Fähigkeit, dieses Streben in musikalische Kreativität zu verwandeln, die in ihrer Tiefe und ihrem inhaltlichen Reichtum einzigartig ist.
Diesen Menschen fehlt Musik so sehr, dass sie es jeden Tag tun und die Fähigkeit entwickeln, nicht für sich selbst, sondern für andere zu spielen. Es ist bezeichnend, dass es viel weniger Musiker gibt als diejenigen, die in der Lage sind, für sich selbst zu spielen. Was bedeutet das? Um Komponist zu werden, muss man sich nicht nur etwas mehr wünschen als eine einfache Füllung seines physischen "Bedürfnisses", dh nicht nur ein Toningenieur sein, sondern lernen, seine innere Suche nach außen zu nehmen und zu teilen was du in den Tiefen des Unbewussten mit anderen hörst …
Kindheit und Jugend
Richard Strauss studierte von Kindheit an gern und war ein sehr fleißiger Schüler. Mit sechs Jahren begann er zu komponieren, füllte eine große Menge Noten und entwickelte seine Fähigkeit, Musik zu komponieren und aufzunehmen, obwohl seine Kompositionen zu diesem Zeitpunkt nachahmend waren. Die Bemühungen des Jungen machten seinen Vater glücklich, der alles tat, um zu verhindern, dass sein Sohn in ein zerstörerisches Wunderkind fiel, aber sein Talent im Schlüssel des deutschen Klassizismus allmählich und tief entwickelte, indem er in die Fußstapfen von Mozart, Haydn, Bach trat, aber keineswegs der "schreckliche" Wagner, den Franz Strauss heftig hasste.
Der damals berühmte Waldhornspieler Franz Strauss hatte einen schwierigen Charakter. Nach einer Reihe von Beschreibungen können wir sagen, dass er eine Anal-Haut-Kombination von Vektoren besaß, die Anal-Despotismus mit einem Hautwunsch nach strenger Disziplin und Kontrolle kombinierte. Er hatte immer seine Meinung und drückte sie nicht ohne Aggression aus, was ihm die Abneigung gegen die Führungs- und Orchestermitglieder des Münchner Orchesters einbrachte, in dem er sein ganzes Leben lang arbeitete. Richards Mutter aus einer Familie berühmter Pshor-Brauer war eine ruhige, sanfte Frau mit häufigen Depressionen, was darauf hindeutete, dass sie einen Schallvektor hatte. Immerhin sind es die gesunden Menschen, die einer Depression zum Opfer fallen.
Richards Ausbildung war vielfältig. Die Entwicklung des visuellen Vektors blieb nicht hinter der Entwicklung des Klangvektors zurück - der junge Strauss liebte leidenschaftlich die bildende Kunst und war in der Malerei sehr versiert. Er las viel und besuchte aktiv Opern- und Konzertsäle. Das einzige Fach, das er nicht besonders mochte, war Mathematik. Erhaltenes Schulheft des kleinen Richard zu diesem Thema mit Skizzen eines Violinkonzerts anstelle von Gleichungen. Der zukünftige Komponist hatte jedoch immer noch einen Hautvektor: In Zukunft wird Richard weder mit Berechnungen noch mit der Wirtschaftlichkeit Probleme haben - den charakteristischen Merkmalen des Hautvektors. Es war nur so, dass das Zählen nicht sein Hauptinteresse war - die oberen Vektoren verlangten mehr.
Wenn Sie in die Beschreibung seiner Kindheit und Jugend eintauchen, fällt es schwer, nicht zu bemerken, wie harmonisch mit der kollektiven Unterstützung seiner Mitmenschen, unter denen es nach dem Abzug des 19-jährigen Richard nach Berlin bereits Musiker der Auf höchstem Niveau wuchs und entwickelte sich der zukünftige Komponist. Durch die Bemühungen seiner Eltern und seiner Umgebung hatte Richard nahezu ideale Bedingungen für die Entwicklung des klangvisuellen Bandes von Vektoren.
In Berlin war Strauss beliebt, er wurde überall eingeladen: zu Abendessen in schönen Häusern, zu Proben des Orchesters und zur Uraufführung von Opern. Als jugendliches Energiebündel schwankte Strauss oft zwischen einer endlosen Anzahl von Musikprojekten hin und her und begann mit Pianisten, Cellisten, Kritikern oder Journalisten Geschäfte zu machen. Er war 20 Jahre alt, lebte sparsam, gab das Geld seiner Eltern mit Bedacht für Oper und Konzerte aus und wusste genau, was er wollte.
Richard wurde von Hans von Bülow, einer der hellsten Persönlichkeiten in der Musikgeschichte, einem symphonischen Dirigenten und einem erstaunlichen Pianisten, einem Schüler von Liszt und einem Anhänger von Wagner, bevormundet. Bülows Aufmerksamkeit wurde auf die frühen Werke von Strauss gelenkt: "Festlicher Marsch" und Serenade für 13 Winde in Es-Dur. Es war Bülow, der dazu bestimmt war, eine entscheidende Rolle in Strauss 'Leben zu spielen.
Außerdem gelang es Strauss, sich mit Cosima Wagner anzufreunden. Die Ex-Frau von Bülow, Cosima, verließ ihren Ehemann, nachdem sie sich in einen Mann verliebt hatte, der für Bülow selbst ein Gott war, Richard Wagner. Sie behandelte den jungen Strauss mit großem Mitgefühl und unterstützte ihn als Dirigent und Komponist.
In diesen Berliner Jahren entwickelte sich Richard Strauss zu einem hochgebildeten, musikbesessenen, attraktiven jungen Mann mit einem lebendigen, offenen, impulsiven Charakter.
Auf dieser Grundlage können wir das systemische Porträt des Komponisten vervollständigen. In der Menge der Strauss-Vektoren war natürlich der dominierende Schallvektor führend. Richard lebte für die Musik und für die Musik, das war seine Bedeutung, seine Idee. Gut entwickelte Bodenvektoren ermöglichten es ihm, leicht im schwierigen Gelände der deutschen Hauptstadt zu manövrieren. Es war genug anale Ausdauer in ihm, um alles mit hoher Professionalität zu studieren und zu tun, egal was er aufnahm. Er hatte genug Hautambitionen, um seine musikalische Karriere aufzubauen. Der visuelle Vektor erlaubte ihm, nicht davor zurückzuschrecken, auszugehen und ständig mit dem Publikum zu kommunizieren. Und das hohe Temperament ermöglichte es, all das mit besonderer Leidenschaft und Eifer zu tun.
Es dauert nicht lange, bis ein Diamant namens Richard Strauss alle seine Facetten erlangt und sich in einen funkelnden Diamanten verwandelt.
EIGENEN WEG
Vor seinem Umzug nach Berlin stand Richard Strauss unter dem unerbittlichen Einfluss seines Vaters. Zunächst blieb es erhalten - durch Korrespondenz. Aber der Moment kam, als Richard es schaffte, sich seinem Einfluss zu entziehen und seine eigene Suche zu beginnen, nicht ohne den Einfluss origineller und herausragender Persönlichkeiten, mit denen ihn das Schicksal so großzügig traf.
Eine von Strauss 'Inspirationen war Alexander Ritter, ein mittelmäßiger Geiger und mittelmäßiger Komponist, aber ein gebildeter und belesener Mann und ein begeisterter Anhänger Wagners. Ritters philosophische Ideen und Überlegungen dienten als Katalysator für eine neue Runde in der spirituellen und musikalischen Suche von Strauss.
Die erste Transformation seiner inneren Welt war die unvermeidliche Umwandlung in einen Fan von Kreativität und philosophischen Ideen von Richard Wagner. Sie sagen, dass Strauss 'Liebe zur Oper Tristan und Isolde so tief und stark war, dass er in den letzten Jahren seines Lebens seine Partitur als Talisman ständig mit sich führte.
Das musikalische Manifest des jungen Richard aus einem Brief an von Bülow klang folgendermaßen: „Um ein Kunstwerk zu schaffen, das in Geist und Struktur kompatibel ist und für den Hörer greifbare Eindrücke hervorruft, muss der Komponist in visuellen Bildern denken, wenn er will dem Hörer seine Idee zu vermitteln. Dies ist jedoch nur möglich, wenn die Komposition auf einer fruchtbaren poetischen Idee basiert, unabhängig davon, ob das Programm sie begleitet oder nicht."
Hier befindet sich die für einen nicht-systemischen Forscher unsichtbare Verflechtung von visuellen und akustischen Ansätzen zur Schaffung von Musik, die die Grundlage für Strauss 'Arbeit bildete und das einzigartige Muster seiner Werke bildete. Um die Bedeutung dieses Plexus zu erklären, lassen Sie uns ein wenig beiseite treten.
Richard Strauss war dazu bestimmt, in einer einzigartigen Zeit zu leben - in der Pause zweier historischer Epochen zwischen der ausgehenden analen und der ankommenden dermalen Entwicklungsphase. Der Anfang dieses Prozesses fiel mit Strauss 'Jugend zusammen. Vor uns lagen noch die tödlichen Krämpfe des reaktionären analen Teils der Gesellschaft, die in der Schaffung der Idee einer überlegenen Rasse zum Ausdruck kamen und zur Ermordung von Millionen von Menschen führten. Vor uns lag immer noch eine bittere Erkenntnis des Schreckens des perfekten und beispiellosen Aufstiegs der Ideen des Humanismus.
Während all dies noch in den Tiefen des kollektiven Unbewussten reifte und mit seltenen Testspitzen auf der Oberfläche des menschlichen Lebens spross, wurde in den Werken von Kunstmeistern eine für alle standardisierte Massenkultur geboren. Komponisten wie Richard Strauss trugen zur Schaffung von Massenkultur bei, indem sie den Menschen Kunst in visuelle Formen „brachten“, die der Mehrheit der Gesellschaft zugänglich waren.
SCHAFFUNG
Richard Strauss war wie ein wahrer Dermatologe ein absoluter Musikfanatiker. Er hatte Angst, nicht zu arbeiten. Das Komponieren von Musik und das Aufführen waren die Existenzberechtigung seines Lebens.
In der ersten Phase seiner Arbeit schuf Strauss, beeinflusst von Wagners Ideen, mehrere lebendige symphonische Gedichte, in denen die Transformation der Musiksprache zu lebendigen visuellen Serien sowohl zum Ziel als auch zum Mittel wurde. Die kapazitive harmonische Sprache, die charakteristische Melodie und die schillernde Orchestrierung ermöglichten es dem Betrachter, die Welt mit den Augen der Hauptfigur des Werks zu sehen.
Der Heldentum des Geistes, die unglaubliche Energie, die subtilste musikalische Poesie der Gefühle - all dies fegte den Hörer mit einer Lawine weg und gab keine Gelegenheit, gleichgültig zu bleiben. Sowohl ein Violinsolo als auch ein Tanzthema im Stil des Wiener Walzers könnten für Strauss elegant poetisch sein. Ein Gefühl der Schönheit und Harmonie des Lebens, ein romantisches Pathos des Heldentums, weibliche Präsenz, furchtlose Offenheit sexueller Impulse durchdrangen buchstäblich seine Werke.
Als perfektester von ihnen kann man das Gedicht "Don Juan" herausgreifen, das zu Strauss 'Stolz die Welt seiner Zuhörer in begeisterte Bewunderer und nicht weniger leidenschaftliche Gegner aufteilte. Heutzutage wurde mehr als eine Filmmelodie von den entzückenden Themen von Don Juan kopiert. Richard Strauss sollten wir für die funkelnden Hits aus den Filmen von Disney und Hollywood dankbar sein.
Ganz anders waren die symphonischen Gedichte "Tod und Aufklärung" und "So sagte Zarathustra", die die Tonsuche des Meisters widerspiegelten. Im Zentrum von Strauss 'Aufmerksamkeit standen nicht das brodelnde physische Leben und die tapferen Mätzchen der Helden, sondern die innere Suche und der Wunsch, sich selbst zu kennen.
Tod und Aufklärung (1888–1889) ist ein Gedicht von außergewöhnlicher Schönheit, das den Klang eines schwerkranken und tief leidenden Menschen verkörpert, der von der Frage gequält wird, was der Sinn von allem ist, was wir Leben nennen. Er versucht, das Rätsel des Lebens zu lösen, indem er das Rätsel des Todes löst.
Das Gedicht spiegelt eine interne Suche wider, kann aber natürlich keine Antwort darauf geben. Selbstbewusstsein, richtige Konzentration des Denkens ist die individuelle Arbeit eines jeden als Teil der Gesellschaft, die niemand für einen anderen ausführen kann. Die Aufgabe des Komponisten ist es, diese Fragen im Hörer zu wecken.
Der weltberühmte erste Satz des Gedichts So sagte Zarathustra (1896):
Ab dem 30. Lebensjahr zeigte Strauss großes Interesse am Schreiben von Opern. 1894 schuf er die Oper Guntram. Es ist bezeichnend, dass sich Strauss zunächst nach Ritters Einfluss plötzlich sogar von seiner neu erworbenen Weltanschauung zurückzog und auf einen Schlag mehr nach links als sein linker Mentor wurde. Die Hauptfigur der Oper folgt nicht der ursprünglichen Handlung und anstatt sich freiwillig dem religiösen Gericht für die Ermordung eines Bösewichts im Finale zu ergeben, geht er auf eine moralische Suche und sucht nach einer Antwort für das, was er nur in seinem Gewissen getan hat. Leider waren die Öffentlichkeit und sogar Ritter, die auf den Flügeln fortschrittlicher Ideen flogen, nicht bereit für eine solche Wendung. Sie waren empört über Strauss 'Widerwillen, seinen Helden der Gnade des Gesetzes zu überlassen. Die Oper scheiterte und Strauss 'moralische Position wurde abgelehnt. Auf Zeit…
Die zweite Oper, Lack of Fire, die 1901 geschrieben wurde, war ein Versuch, das universellere Thema anzusprechen, dass die Frau das Zentrum des Seins und die treibende Kraft für den Mann ist. Strauss ging dieses Thema von außen an, was auch die Popularität dieser Oper verhinderte. Zur aufrichtigen Überraschung vieler Zeitgenossen erkannte der Hauptvertreter der damaligen aristokratischen Elite die Oper als obszön und nicht bemerkenswert an.
Die Musik jener Zeit, die versuchte, die Position der klassischen Romantik zu festigen (Tschaikowskys Pik-Dame, 1890; Sinfonie von Novy Svet von Dvořák, 1893; Verdi Falstaff, 1893), blieb den Traditionen treu. Entlang der gesamten Musikfront waren jedoch bereits Veränderungen sichtbar. Mahlers Symphonien, Lieder zu Versen von Baudelaire und Debussys Nachmittag eines Fauns sprachen bereits die postwagnerische Sprache.
Um die Quelle menschlicher Wünsche und ihre Bedeutung zu entschlüsseln, zeigten Komponisten ein Verlangen nach berauschender Buntheit, zogen sich in die Welt der Träume zurück und begannen, Sexualität in der Kunst einzusetzen. All dies lässt sich in den Werken von Strauss nachvollziehen. In der Musik konnte er die spannenden Themen der menschlichen Existenz in lebhaftem Kontrast ausdrücken: Verführung und Ungehorsam, männliche und weibliche Prinzipien, Leben und Tod, Sex und Mord.
"SALOME"
Jokanaan, der religiöse Prophet, ist in Herods Palast eingesperrt. Ein 15-jähriges junges Mädchen, Tochter von Herods Frau Salome, verliebt sich in den Propheten. Er lehnt sie ab. Salome tanzt den Tanz der sieben Schleier für Herodes. Herodes ist mit Salomes Tanz zufrieden und verspricht ihr, jeden Wunsch zu erfüllen. Salome fragt nach dem Kopf von Jokanaan. Herodes ist gezwungen, den Propheten hinzurichten. Wenn der Kopf von Jokanaan zu dem Mädchen ausgeführt wird, drückt sie offen ihre Liebe für den Toten aus. Dies ist für Zeugen verwirrend und schockierend. Salome wird getötet.
Die Oper Salome wurde erstmals in Dresden aufgeführt. Es wurde in Wien verboten und musste während einer Vorführung an der Metropolitan Opera in New York entfernt werden. Am 16. Mai 1906 wurde Salome in der österreichischen Stadt Graz aufgeführt. Unter den Zuschauern waren Mahler, Berg, Schönberg, Puccini, Zemlinsky, die Witwe von Johann Strauss und viele andere. Zahlreiche Opernliebhaber und sogar gekrönte Köpfe nahmen an dieser Aufführung teil. Sogar die fiktive Figur Adrian Leverkühn, der Held von Thomas Manns Roman Doktor Faustus, war dort zusammen mit dem 17-jährigen Adolf Hitler …
Die Oper war ein voller Erfolg. Trotz der provokativen Zweideutigkeit gab es etwas in dieser Musik, das niemanden gleichgültig ließ. Die Kühnheit, mit der sich der Autor mit bisher völlig verbotenen Themen befasste, schockierte das Publikum ebenso wie das Thema der Oper. Die damalige Öffentlichkeit sah Skandal in der Ausschweifung des Hofes von König Herodes, dem ungezügelten Verhalten von Prinzessin Salome und am Ende der Oper - in der hässlichen Szene der Nekromantie und dem offen sexuellen Triumph des wahnsinnigen Salome über Jokanaan.
Wie sehen wir diese Oper heute?
Ein 15-jähriges Mädchen lebt im Palast ihres Stiefvaters Herodes, der sie trotz der Nähe ihrer Mutter belästigt. Salome trifft Jokanaan, der in der Oper als berühmter Prophet bezeichnet wird. Strauss war nicht religiös und wusste, dass er Jokanaan nicht im besten Licht für einen Propheten darstellte. Sein Charakter erwies sich als begrenzt und unpirituell. Jokanaan weckte in Salome ein leidenschaftliches Verlangen nach Liebe.
Dies war keineswegs der romantische Ausbruch von Gefühlen eines naiven Mädchens, das den Segen des Mannes Gottes wünscht, wie Lord Chamberlain darauf bestand, dies vor der Opernproduktion in London im Jahr 1910 zu zeigen. Für Salome war diese Liebe das Ergebnis einer plötzlichen Erkenntnis, dass "das Geheimnis der Liebe größer ist als das Geheimnis des Todes". Ihr offener abschließender Opernmonolog mit dem Kopf von Jokanaan, getauft "Nekromantie", endet mit den hypnotischen Worten:
UND! Ich habe deinen Mund geküsst, Jokanaan, ich habe deinen Mund geküsst.
Es war ein scharfer Geschmack auf Ihren Lippen. Hat es nach Blut geschmeckt?
Vielleicht ist das der Geschmack der Liebe. Sie sagen, Liebe hat einen scharfen Geschmack.
Aber trotzdem. Egal. Ich habe deinen Mund geküsst, Jokanaan, ich habe deinen Mund geküsst.
Ungefähr vierzig Jahre sind seit der ersten Produktion von Wagners "Tristan" vergangen. Im Finale von Tristan „strahlt Isolde auch Liebe auf den Körper des toten Tristan aus. Aber zwischen den beiden Endspielen Tristan und Salome gibt es eine Kluft. Im ersten Fall konnte das tragische Paar seine Beziehung aufgrund sozialer Normen nicht verwirklichen: Im Bereich des analen Konservatismus kann eine verheiratete Frau nicht mit dem besten Freund ihres Mannes glücklich sein, selbst wenn er sich entschieden hat, ihnen diese Gelegenheit zu geben.
In "Salome" die Tragödie eines anderen Plans: Es ist ein tödlicher Kampf um die Befriedigung ihrer Wünsche, der die Bereitschaft einer Person zeigt, auf dem Weg zum Ziel alle Mittel einzusetzen. Und nicht umsonst ist die Hauptfigur ein junges Mädchen. Sie ist wie die Verkörperung einer neuen Generation mit einem erhöhten Wunsch, mit einem riesigen, noch komplizierteren mentalen und völligen Missverständnis von sich selbst den Verlust moralischer Richtlinien zu empfangen.
Strauss suchte zeitlebens nach dem perfekten Libretto für die perfekte Oper. Er schrieb 15 Opern und seine kreative Suche in diesem Genre war ungewöhnlich breit. "Chevalier of the Roses" - eine Comic-Oper, eine der beliebtesten in der Öffentlichkeit, wurde von Strauss als musikalische Komödie mit parodistischen Merkmalen konzipiert. Das Drehbuch wurde von einem brillanten Librettisten namens Hoffmannsthal als Stilisierung für die Werke des 18. Jahrhunderts und insbesondere für die Opern Mozarts geschrieben. Anachronismen waren in der Musik bewusst erlaubt: die Melodien der alten Zeiten mit den Wiener Walzern des 19. - 20. Jahrhunderts zu mischen.
Auf den ersten Blick enthält die inhaltliche Oper die Hauptfigur Marshalsha, eine helle und attraktive Frau, eine hohe Stellung in der Gesellschaft, Graf Octavian, einen 17-jährigen jungen Mann, der in Marshalsha verliebt ist, Sophie, die Braut von Marschallshas Cousin. Im Verlauf der Oper verliebt sich Octavian in die junge Sophie. Im letzten Akt erklingt das berühmte Trio, in dem Marshalsha Octavian ablehnt und ihn überzeugt, sein Leben mit Sophie zu verbinden. Octavians Part wurde für die Mezzosopranistin in der Tradition der Oper des 18. Jahrhunderts geschrieben. Die Oper ist von Details anmutiger Frivolität durchdrungen. Der Charakter des Marschalls war für Strauss besonders erfolgreich, und er betrachtete diesen Charakter als eine seiner besten Kreationen.
Wenn Strauss symphonische Gedichte mit hellen visuellen Strichen schrieb, in einem hautähnlichen schnellen Wechsel kleiner Episoden und verschiedener Charaktere, dann stützte er sich in seinen Opern hauptsächlich auf die Werte des Analvektors und wählte oft Themen aus der Vergangenheit aus, sogar die alte Vergangenheit für sie. Zum Beispiel ist in einer Oper wie Electra der emotionale Kern anale Ressentiments und ein Durst nach Rache, der sowohl für das Objekt als auch für das Subjekt des Geschehens destruktiv ist.
In "Knight of the Roses" ruft das Thema einer "alternden" dreißigjährigen Schönheit, die einen jungen Liebhaber verliert oder freiwillig an Gleichaltrige abgibt, ein Gefühl echter Traurigkeit hervor, obwohl Marshalsha nicht einer von denen ist, die es tun der Traurigkeit erliegen. Vor allem wird sie einen würdigen Ersatz für Octavian finden und im neuen Roman vergessen werden. Auf die eine oder andere Weise klingt das letzte Trio wie eine unvergessliche Episode des Abschieds von der Liebe, und die leichte Traurigkeit und Schönheit der Musik verbergen nicht die wahre Tragödie dieses Augenblicks für eine charmante Frau, die sich der Unvermeidlichkeit des Durchgangs von bewusst ist Zeit.
KRIEG
"Metamorphosen oder Konzert für 23 Streicher" ist eines der letzten Werke von Strauss, das 1943 mit der Zerstörung der Münchner Oper begann und mit der fast sein ganzes Leben verbunden war. Die Metamorphosen wurden zwei Jahre später, 1945, nach dem Brand und der Zerstörung der Wiener Oper, nach dem barbarischen und strategisch sinnlosen Bombenangriff auf Dresden, fertiggestellt.
Die Musik des Stücks ist von Trauer um die sterbende deutsche Kultur durchdrungen. Das Stück verwendet Zitate aus Wagners Tristan und Isolde, ein Thema aus Strauss 'letzter Oper Arabella und ein Trauermarschthema aus Ludwig van Beethovens Heroic Symphony. In der Partitur wird dieses Thema von den Worten "inmemoriam" begleitet.
Musikwissenschaftler haben lange darüber gestritten, wem dieses Stück gewidmet ist. Es stellte sich heraus, dass Strauss in den letzten Jahren die Werke Goethes studierte, um die Wurzeln des Bösen im Menschen zu verstehen, der für so schreckliche Ereignisse wie den Krieg verantwortlich ist. Während des Krieges musste Strauss viel durchmachen. Seine Schwiegertochter, die Frau seines einzigen Sohnes und Mutter von zwei Enkelkindern, war eine Frau jüdischer Herkunft. Um ihm das Leben dieser sehr lieben Menschen zu retten, war Strauss einige Zeit Kulturminister im Dritten Reich, wo er ohne Rücksprache mit ihm ernannt wurde.
Strauss erfüllte diese Rolle nicht lange, da er sich weigerte, den Namen des Librettisten Stefan Zweig, der wegen seiner Nationalität im Exil war, aus dem Programm seiner neuen Oper Silent Woman zu streichen. Bald fing die Gestapo einen ausgesprochenen Brief von Strauss an Zweig ab, in dem er über seine Verachtung der Nazis schrieb. Strauss wurde dringend aus dem Amt entfernt und wäre wahrscheinlich getötet worden, wenn nicht sein weltweiter Ruhm und seine Autorität gewesen wären. Sein Sohn und seine Schwiegertochter wurden einst von der Gestapo entführt und verbrachten mehrere Tage im Gefängnis, bis Strauss dringend von seiner Tour zurückkehrte, um ihre Freilassung zu beantragen.
Seine Enkelkinder wurden, als sie während des Krieges zur Schule mussten, von Anwohnern angegriffen und gemobbt. Sie wurden angespuckt und eingeschüchtert. Nach dem Krieg wurde Strauss im Zusammenhang mit seiner Arbeit für das Dritte Reich vor dem Krieg vor Gericht gestellt und voll freigesprochen. Nach dem Krieg wurde seine Popularität wiederhergestellt. Als Strauss einmal die Grenze zwischen Frankreich und der Schweiz überquerte, um in einem Schweizer Sanatorium behandelt zu werden, vergaß er alle Dokumente. Die französischen Grenzschutzbeamten erkannten ihn, begrüßten ihn mit Respekt und ließen ihn trotz fehlenden Passes die Grenze überqueren.
FAZIT
Richard Strauss lebte ein langes und erfolgreiches Leben. Er überlebte zwei Weltkriege und seine Arbeit und einige seiner Handlungen werden von Musikwissenschaftlern und Historikern immer noch widersprüchlich interpretiert.
Zum Beispiel sagte der Schöpfer der 12-Ton-Musik, Arnold Schönberg, einmal: "Ich war nie ein Revolutionär, Strauss war der einzige Revolutionär in unserer Zeit!" Das war aber nicht der Fall. Richard Strauss war kein Revolutionär, der den Weg in die Zukunft wies und vielmehr den Weg in die Kette der großen Romantiker ebnete.
Strauss 'lange und ungewöhnliche musikalische Karriere endete mit den genialen Four Last Songs. Nach einem wirklich gut gelebten Leben in diesen Liedern übertraf er alle in der Fähigkeit, dem Tod ohne Angst in die Augen zu schauen. So vollendete der letzte deutsche Romantiker Richard Strauss in der göttlichen Schönheit dieser Lieder seine irdische Reise und seine Tonsuche.
